15. November 2026

Legendäre deutsche Musikindustrie: Vom Krautrock zum Weltkulturerbe

Deutschlands Tonstudios produzierten den internationalen Sound der 80er

von Michael Werner

Lange bevor mich das politmediale Dauerfeuer gegen die Freiheit, insbesondere die Meinungsfreiheit, quasi aus Notwehr zum Polemik-Pöbler werden ließ, war mein Herzensthema das Schöne im Leben, also Kunst und Kultur, speziell die Musik. Als André F. Lichtschlag mir vorschlug, für eigentümlich frei doch mal einen Artikel über berühmte deutsche Tonstudios zu schreiben, habe ich nur allzu gerne zugestimmt, da allein schon der Gedanke daran, mich endlich mal wieder meiner alten Leidenschaft zu widmen, nahezu heilende Wirkung auf mein Gemüt hatte. So hoffe ich nun, meine freiheitliche Leserschaft für ein paar informative Blicke durch die deutsche Brille hinter die Kulissen der globalen Musikbranche ähnlich zu begeistern wie für meine ansonsten gewohnten Themen.

Deutschland und internationale Popmusik – ein Wortpaar, das man nur schwer zusammenzubringen vermag. Deutsche Pop-Acts von ernstzunehmender exterritorialer Relevanz lassen sich quasi an einer Hand abzählen: Vor der Jahrtausendwende waren es vornehmlich die Scorpions auf dem Rocksektor, Kraftwerk in der elektronischen Musik sowie Nena, die es als One-Hit-Fräulein-Wonder mit „99 Luftballons“ in den USA auf Platz zwei der Billboard-Charts gebracht hat und den damals jungen Leuten auch heute noch als „the German girl with the armpit hair“ in lebendiger Erinnerung ist. In der jüngeren Vergangenheit kamen dann Tokio Hotel und Rammstein hinzu, wobei es nur Letztere geschafft haben, den internationalen Markt nachhaltig erfolgreich zu bespielen. Dass sie zudem von den bisher Genannten die Einzigen sind, die das sogar konsequent in deutscher Sprache tun, verleiht ihrem Erfolg ein noch viel größeres Gewicht. Zu allem Ärger waren die drei größten deutschsprachigen Stars des 20. Jahrhunderts – Peter Alexander, Udo Jürgens und Falco – dummerweise allesamt Österreicher! Wobei Falco es 1986 in den USA mit „Rock Me Amadeus“ immerhin an die Spitze der Billboard-Charts brachte, wohingegen Udo Jürgens zwar gleich mehrere internationale Erfolge verbuchen konnte, jedoch nicht als Interpret, sondern als Komponist. Ansonsten muss man schon lange nachdenken, um weitere Beispiele für deutsche Musik von außerdeutscher Bedeutung zu finden.

Das war nicht immer so: Vor ziemlich genau hundert Jahren, in den „goldenen 20ern“, entstand speziell in der Berliner Szene die hippeste und kreativste moderne Populärmusik – man kann nur ins Schwärmen geraten, wenn man sich vorstellt, wie sich das hätte weiterentwickeln können! Leider jedoch kam im nächsten Jahrzehnt eine nationalsozialistische Mörderbande an die Macht, die dazu auch noch maximal antisemitisch unterwegs war, womit sie dem aufregenden musikalischen Treiben ein jähes Ende setzte, weil die meisten der kreativsten Köpfe der damaligen deutschen Kulturszene dummerweise Juden waren. Zum Glück schafften es etliche, rechtzeitig nach Amerika zu fliehen, um ihr Werk dort fortzusetzen und die seitdem entstandene Populärkultur, die zum Exportschlager für die gesamte westliche Welt und weit darüber hinaus wurde, im Wesentlichen mit zu erschaffen und maßgeblich zu prägen. Zwei der bedeutendsten Repräsentanten dieser Kultur, Frank Sinatra und Elvis Presley, sind ohne das Dazutun von weitgehend vor den Nazis geflohenen Juden schier undenkbar. In Deutschland hingegen verblieben jene, denen die Nazis das Spielen dieser von ihnen als angeblich so primitiv diffamierten „Hottentotten-Musik“ derart nachhaltig austrieben, dass sie quasi aus dem kollektiven Gedächtnis verschwand. Es blieb die – kompositorisch betrachtet um Welten primitivere – Humtata-Wohlfühl-Mucke, wo sich „Herz“ auf „Schmerz“ reimt und unter jedem Brückerl garantiert ein Bacherl fließt. Immerhin kommt etwas Bewegung in die Sache, seit sich „Schmerz“ neuerdings auch auf „Merz“ reimt – sorry, diesen Gag konnte ich mir beim besten Willen nicht verkneifen!

Dabei gab und gibt es durchaus nachhaltige deutsche Einflüsse auf die internationale Popkultur: Hans Zimmer dürfte weltweit wohl zu den erfolgreichsten und meistgeachteten Komponisten von Filmmusik zählen. Man mag sich The Beatles als Gesamtkunstwerk kaum vorstellen ohne das Dazutun von Astrid Kirchherr sowie des großartigen Klaus Voormann. Es gibt noch einen weiteren deutschen Klaus, umbenannt in Claus Ogerman, ohne den vieles an exzellenter Musik fehlen würde, unter anderem eines meiner absoluten Lieblingsalben „Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim“. Der deutsche Orchesterchef und Komponist Bert Kaempfert ist der einzige Mensch, der sich rühmen konnte, für Frank Sinatra, Elvis Presley und The Beatles gearbeitet zu haben: Für Frankie schrieb er den Welthit „Strangers In The Night“, für Elvis schrieb er das Arrangement für die Begleitinstrumente bei dessen Aufnahme des deutschen Volkslieds „Muss i denn zum Städtele hinaus“ (auf Englisch „Wooden Heart“), und er produzierte die erste professionelle Studioaufnahme der Beatles, die seinerzeit noch die Begleitband von Tony Sheridan waren. Er war ihr erster professioneller Plattenproduzent und nahm sie 1961 in Hamburg unter Vertrag. Kaempfert komponierte auch den Erfolgstitel „L.O.V.E.“ für Nat King Cole sowie den Welthit und Evergreen „Spanish Eyes“, den übrigens Freddy Quinn 1965 als Erster aufnahm, bevor Al Martino ihn ein Jahr später international zum Erfolg brachte und Elvis ihn dann 1973 coverte – so schließt sich denn der Kreis. Dass Herr Presley noch diverse andere deutschstämmige Melodien mit englischen Texten sang, unter anderem von Johannes Brahms und Jacques Offenbach, aber auch von James Last, sei nur eine weitere Randbemerkung zum deutschen Anteil am internationalen Musikgeschehen.

Nachfolgend geht es jedoch um einen völlig anderen, dem breiten Publikum weitgehend unbekannten Aspekt: das Tonstudio. Den wenigsten Musikhörern ist bewusst, welch großen Einfluss auf den Sound und damit auch auf den Erfolg einer Produktion es haben kann, in welchem Studio und von wem dort der Song aufgenommen und abgemischt wurde. Die entscheidenden Faktoren sind zum einen die technische Ausstattung sowie das Personal mit seinem ganz speziellen Know-how und seiner ureigensten Arbeitsweise, zum anderen aber auch der einzigartige Raumklang eines jeden Studios. Es gibt Musikfreaks, die bei den alten Klassikern sofort hören können, in welchem der weltberühmten Studios er aufgenommen wurde. Auch ich habe mich in jüngeren Jahren gerne mal gerühmt, sofort erkennen zu können, ob ein Country-Song im legendären RCA Studio B in Nashville/Tennessee aufgenommen wurde, und lag weitgehend richtig.

Auch wenn sich nur die wenigsten Musikhörer mit diesem Thema ernsthaft beschäftigen, so kennt doch jeder das berühmte Londoner EMI-Studio an der Abbey Road, und sei es nur wegen des ikonischen Zebrastreifens. Ein näher Interessierter, der gelegentlich den Begleittext von Musikalben liest, ist dann auch mal so illustren Studionamen wie Atlantic, Motown, Muscle Shoals, Sun, American Sound, Stax, Capitol und Electric Lady begegnet, die sich allesamt in den USA befinden. Dann gibt es noch das Polar-Studio in Stockholm, das als „Best-of“ der amerikanischen Kultstudios quasi extra für Abba gebaut wurde und im Laufe ihres Erfolgs auch andere Größen wie The Rolling Stones, The Ramones, Roxy Music, Celine Dion, Roxette und in den 90er- und 2000er-Jahren sogar die Backstreet Boys anzog. Aber kennt jemand ein deutsches Studio von Weltrang? Wohl kaum! Den meisten deutschen Musikfreunden ist noch nicht einmal bewusst, dass es überhaupt ein solches gibt, geschweige denn gleich mehrere – und genau diese Wissenslücke soll dieser Artikel nun schließen.

Deutschland war von den frühen 1970ern bis tief in die 1990er keineswegs bloß einer der größten Absatzmärkte für angloamerikanische Popmusik, sondern zeitweise auch einer ihrer wichtigsten Produktionsorte. München, Berlin, Köln (inklusive Rheinland), Hamburg und das Rhein-Main-Gebiet bildeten regelrechte Studiocluster. Bemerkenswert ist außerdem, wie sich die Rolle vom Aufnahmeort für Weltstars über die deutschen Klanglabore von Krautrock, Elektronik und Metal bis zu den produzentengeführten Hitfabriken von Eurodisco und Eurodance wandelte.

In den 1970ern wurde Westdeutschland zu einem internationalen Produktionsland, weil es außergewöhnlich gute Studios mit einer Generation technisch versessener Produzenten und gleichermaßen versierter wie kreativer Toningenieure vorzuweisen hatte. Moroder und Mack in München, Plank und Dierks im Rheinland sowie Hansa in Berlin waren keine bloßen Dienstleister, sondern boten Sounds, Arbeitsweisen und Technik, die Musiker anderswo nicht ohne Weiteres bekamen.

Den deutschen Einfluss kann man grob in drei „Exportwellen“ unterteilen:

1970er: Krautrock / Elektronik plus internationales Rockgeschäft (Kraftwerk, Can, Brian Eno, David Bowie, Led Zeppelin, Deep Purple, Donna Summer, ELO)

1980er: Synthpop, Metal und hochindustrialisierte Popproduktion (Depeche Mode, Ultravox, Eurythmics, Queen, Scorpions, Accept, Helloween, Modern Talking, Frank Farian)

1990er: Eurodance / Trance und Produzentenstudios (Haddaway, Milli Vanilli / Farian-Nachläufer, Jam & Spoon, Culture Beat / Snap!-Umfeld, Hamburger Dance- und Pop-Teams; U2 und weiterhin Depeche Mode)

Kurzer Einschub: Ergänzend sei angemerkt, dass vor allem deutsche Technologie bereits seit jeher die renommierten internationalen Studios maßgeblich prägte: Mikrofone von Beyerdynamic, Sennheiser und insbesondere Georg Neumann, dessen U47 bis heute als das beste Mikrofon aller Zeiten gilt – eine Einschätzung, die ich bis zum letzten Blutstropfen verteidigen würde. Siemens baute einzigartige Geräte für die Peripherie, und die Bandmaschinen von Telefunken und Studer waren Weltmarktführer – egal, ob für Pink Floyd, Abba, Queen oder Michael Jackson. (Ja, Studer ist eigentlich eine Schweizer Firma, musste aber bereits 1964 wegen ausgeschöpfter Schweizer Produktionskapazitäten nach Deutschland expandieren, nach Löffingen. Ab 1966 wurde ein erheblicher Teil der Revox-Produktion in Deutschland gefertigt.) Wie gefragt deutsche Technologie in den weltweit angesagtesten Studios war, ist mir selbst erst jüngst bewusst geworden, als ich zu meiner großen Freude Klaus Schmitz kennenlernen und sein beeindruckendes Studiotechnik-Museum besuchen durfte. Schmitz, der sich 2022 zur Ruhe gesetzt hat, war mit seiner Firma „Schmitronic GmbH“ jahrelang der größte Exporteur deutscher Studiotechnik und hat mir ein paar Zahlen genannt, die mich mit den Ohren schlackern ließen.

Widmen wir uns nach dieser ausufernden Einleitung nun endlich den Studios. Eigentlich hätte jedes davon einen ausführlichen eigenen Artikel verdient: nicht nur über seine Gründungsgeschichte und seine produktionsrelevanten Spezialitäten, sondern auch über das menschliche Drumherum, denn zu jedem Studio gibt es noch ein ganzes Buch voller Anekdoten, die zwangsläufig entstehen, wenn illustre Persönlichkeiten dort aufschlagen und unter Beweis stellen, dass „Sex & Drug & Rock’n’Roll“ nicht nur ein Mythos ist, sondern in exakt dieser Reihenfolge gerne mal hingebungsvoll abgearbeitet wird. Doch leider würde das den Rahmen dieses Artikels und sogar dieses Magazins sprengen. Dasselbe gilt für die Aufzählung sämtlicher bedeutender Alben und Hits pro Studio, die man jedoch sekundenschnell auf Wikipedia oder per KI finden kann. Daher gibt es zu jedem Studio nur einen kurzen Überblick, von dem ich hoffe, dass er vielleicht zu größerer Wertschätzung des deutschen Beitrags zur internationalen Popmusik führt oder gar Lust macht, einige der aufgeführten Alben oder Songs noch einmal mit ganz anderen Ohren zu hören und dabei völlig neu zu entdecken.

Beginnen wir mit den Hansa Tonstudios in Berlin, ursprünglich von Peter und Thomas Meisel 1962 als „Hansa Musik Produktion“ gegründet und 1973 als „Hansa Studio One“ in der Nestorstraße eröffnet. 1975 übernahmen die Meisel-Brüder das Sonopress/Ariola-Studio im Meistersaal, Köthener Straße 38, das fortan als „Hansa Studio Two“ firmierte. Internationale Künstler nannten es wegen der direkten Nachbarschaft zum „Antifaschistischen Schutzwall“, quasi der Mutter der Brandmauer, „Hansa by the Wall“, was der Legende nach auf einige ganz besonders inspirierend wirkte, vornehmlich auf David Bowie. Von seiner sogenannten „Berlin-Trilogie“ entstand „Heroes“ (1977) vollständig bei Hansa; „Low“ (1977) wurde dort fertiggestellt, während „Lodger“ (1979) entgegen der Legende tatsächlich außerhalb Berlins (vornehmlich in Montreux und New York) aufgenommen wurde. Zu gern hätte ich nun ausführlich geschildert, wie genau Produzent Tony Visconti beim Kulthit „Heroes“ den ganz besonderen Sound von Bowies Stimme hinbekommen hat, der zunächst ganz leise säuselte und später im Song geradezu hysterisch schrie, aber das ginge leider zu weit ins Detail. Der Mythos um dieses Studio bestand aber nicht nur aus der Atmosphäre aufgrund der Lage: Internationale Stars und Produzenten kamen wegen der Technik, des Personals und insbesondere wegen der außergewöhnlichen Akustik des Meistersaals, neben Bowie unter anderem auch Iggy Pop, Paul Simon, Depeche Mode, Nick Cave, Marillion und U2 – und natürlich jede Menge deutschsprachige Künstler, zum Beispiel Udo Jürgens, Peter Maffay und Roland Kaiser, die hier einen beachtlichen Teil ihrer Alben aufgenommen haben. Das Studio existiert noch, wurde aber technisch und auch betrieblich den aktuellen Herausforderungen der Branche angepasst und zieht immerhin Top-Acts wie Coldplay, Parcels, Yungblud, Harry Styles, R.E.M., The Strokes, Cher, Green Day, Pharrell Williams und viele andere an.

Die Musicland Studios in München wurden Anfang der 1970er Jahre vom Produzenten Giorgio Moroder gegründet und ab 1972/73 gemeinsam mit dem von ihm angeworbenen Toningenieur Reinhold Mack entscheidend ausgebaut. Als Moroder seinen Lebensmittelpunkt Mitte der 1980er nach Los Angeles verlagerte, wurde es von Mack in der letzten Phase bis zur Schließung 1988 allein weitergeführt. Hier trafen gleich zwei Geschichten zusammen: Einerseits wurde München durch Moroders Welterfolg mit Donna Summers „I Feel Love“ zur Geburtsstätte moderner elektronischer Tanzmusik, andererseits kamen britische Weltstars nach Bayern, weil das Studio technisch zuverlässig und vergleichsweise günstig war. Queen und besonders Freddie Mercury fühlten sich im Musicland wie zu Hause und arbeiteten dort von „The Game“ (1980) bis „A Kind Of Magic“ (1986) immer wieder an mehreren ihrer Alben, und Freddie Mercury produzierte dort sein erstes Soloalbum „Mr. Bad Guy“ (1985) vollständig. The Rolling Stones, ELO, Deep Purple, Led Zeppelin, Iggy Pop, Elton John, Whitesnake, Spandau Ballet und Limahl sind nur einige der großen Namen, die sich dort die Klinke in die Hand gaben.

Die Dierks Studios in Stommeln bei Köln wurden Ende der 1960er Jahre von Dieter Dierks im Haus seiner Mutter gegründet, wo er mit zwei umgebauten Revox-Amateurbandmaschinen begann. Innerhalb weniger Jahre entstand im Hof ein professioneller Studiokomplex, und das Nachbarhaus wurde zum Studiohotel – Musiker konnten wochen- oder monatelang dort wohnen und aufnehmen. Noch zu Lebzeiten ließ Mutter Dierks es sich nicht nehmen, das Catering in die eigenen Hände zu nehmen; ihre Küche war bei internationalen Topstars geschätzt. Damals kamen bereits Ike & Tina Turner, Eric Burdon, War, Lou Reed, Graham Parker, The Boomtown Rats und Rory Gallagher nach Stommeln, Harry Belafonte war regelmäßiger Gast, und sogar der „King of Pop“, Michael Jackson höchstselbst, fand sich 1996 zu Gesangsaufnahmen und zusätzlichem Drum-Programming für seinen Song „Ghosts“ im Dierks-Studio ein. Besondere Bekanntheit erlangte das Studio einerseits durch sein „Dierks-Mobil“, ein hochwertiges Aufnahmestudio in einem Truck, stets auf dem aktuellen Stand der Technik, mit dem vornehmlich Livekonzerte in ganz Europa professionell mitgeschnitten wurden, sowie andererseits durch ein Genre, das damals als „Krautrock“ bezeichnet und bei Dierks quasi mitentwickelt und entscheidend geprägt wurde. So fanden dann auch Bands wie Accept, allen voran jedoch die Scorpions, in Stommeln zu ihrem unverwechselbaren Sound und Stil; ihre Klassiker „Rock You Like A Hurricane“ und „Still Loving You“ entstanden bei Dierks, genauso wie zahlreiche Alben. Dierks war damit das Gegenstück zu Musicland, das München zu einem Weltstudio für Pop, Disco und britischen Rock machte, während Dierks ein rheinisches Dorf ins Mekka des internationalen Hard Rock und Heavy Metal verwandelte.

Vor einigen Jahren hatte ich die Ehre, die lebende Legende Dieter Dierks persönlich kennenzulernen, als ich selbst mal ein paar Wochen lang in seinem nicht minder legendären Studio 3 produziert habe, und kann daher ein eigenes Foto beisteuern.

Conny’s Studio in Wolperath, einem Kuhkaff rund 35 Kilometer südöstlich von Köln, wurde Anfang 1974 von dem Musikproduzenten und Toningenieur Conny Plank und seiner Partnerin, der Schauspielerin Christa Fast, im ehemaligen Schweinestall eines Fachwerk-Bauernhofs erbaut. Diese Location in ländlicher Umgebung erlaubte ihnen, ein ähnliches Konzept zu fahren wie Dierks: Künstler lebten während der Produktion zusammen mit Plank und seiner Familie auf dem Hof. Herzstück des Studios war Planks legendäres, ständig modifiziertes 56-Kanal-Custom-Mischpult, ein Unikat, das er gemeinsam mit renommierten Spezialisten wie Michael Zähl gezielt auf seine speziellen Anforderungen und klanglichen Visionen zugeschnitten fortlaufend weiterentwickelte. Damit prägte und verfeinerte er seinen typischen „modernen Maschinensound“. Neben der technischen Ausstattung war es vornehmlich Conny Planks unschlagbare Kombination aus fachlichem Können und eigenwilliger Kreativität, die dem Studio bald schon einen branchenweiten Ruf bescherte, sodass sich dort nationale und internationale Stars wie Ultravox, Eurythmics, Brian Eno, Cluster, Annette Humpe, Ideal, Heinz-Rudolf Kunze und Gianna Nannini die Klinke in die Hand gaben. Plank hatte an den frühen Kraftwerk-Alben bis einschließlich „Autobahn“ entscheidenden Anteil. Letzteres entstand als Zusammenarbeit zwischen Kling Klang und Planks Technik und wurde in Wolperath abgemischt. „Autobahn“ entwickelte sich sowohl zum bekanntesten als auch zum kommerziell erfolgreichsten Longplayer der Gruppe. Allerdings war Plank berühmt-berüchtigt für seine Eigenwilligkeit und betreute nur Produktionen, hinter denen er selbst auch stand, wobei ihm finanzielle Anreize wurscht waren: Weil ihm missfiel, wie Kraftwerk sich seiner Ansicht nach zunehmend zur Designer-Band entwickelte, beendete er die Zusammenarbeit auf dem Höhepunkt ihres Erfolges. Sein legendärster, ultimativer Bad-Ass-Move war jedoch, dass er David Bowie einfach vor der Tür stehen ließ, weil er kein Interesse an einer Zusammenarbeit mit ihm hatte. Am 5. Dezember 1987 starb Conny Plank mit nur 47 Jahren an Krebs. Danach führten seine Lebensgefährtin Christa Fast und der gemeinsame Sohn Stephan das Studio fast zwei Jahrzehnte lang weiter. Rock- und Popgrößen wie Die Ärzte oder Die Fantastischen Vier nahmen dort weiterhin Alben auf. Anfang 2006 musste das Studio wegen einer schweren Erkrankung von Christa Fast aufgegeben werden, und das historische Equipment wurde nur wenige Tage vor ihrem Tod am 1. Juni verkauft. Im Herbst 2008 unternahmen Michael und Tim Dierks, bekannt als Produzenten-Duo DIRX (und nicht verwandt mit Dieter Dierks), gemeinsam mit Stephan Plank einen letzten Rettungsversuch, leider jedoch vergebens, und der geschichtsträchtige Bauernhof wurde 2009 vollständig abgerissen. An der Stelle, an der einst international wegweisende Werke der Rock- und Popmusik entstanden, befindet sich heute eine Siedlung aus ökologischen Niedrigenergiehäusern.

Passend dazu folgt nun das Kling Klang Studio in Düsseldorf, das allerdings nie ein klassisches Mietstudio war, sondern Kraftwerks privates Soundlabor. Dennoch sei es nicht nur der Vollständigkeit halber erwähnt, sondern zwingend, weil sein musikalischer Output Synthpop, Hip-Hop, Electro, Techno und Dance weltweit maßgeblich und prägend beeinflusste. Gegründet wurde es 1970 von Ralf Hütter und Florian Schneider beziehungsweise Kraftwerk in der Mintropstraße 14–16. Der historische Standort wurde im Jahre 2009 durch den Umzug nach Meerbusch-Osterath aufgegeben. Aufgenommen wurden hier – Überraschung! – so ziemlich alle Produktionen von Kraftwerk.

Nach so viel Gewichtung aufs Rheinland geht’s zurück nach Bayern zum Union Studio in München-Solln, das 1963 – zunächst als Studio Allach – gegründet wurde und 1999 seine Pforten schloss. In diesem Studio begann Reinhold Mack seine Karriere, bevor Giorgio Moroder ihn zu Musicland holte. Umberto Tozzi nahm hier 1979 seinen Megahit „Gloria“ auf, Spandau Ballet 1984 Teile ihres Albums „Parade“, Stevie Wonder arbeitete im selben Jahr am Soundtrack des Films „The Woman In Red“, und die britische Rockband Magnum nahm ebenfalls hier auf.

Eine entscheidende Rolle spielt das Europasound Studio in Offenbach-Bieber von Fred Schreier. Es ging spätestens Mitte der 1970er Jahre in Betrieb, wurde in den 1990ern geschlossen und später unter dem Namen „Tonstudio Bieber“ neu eröffnet. Besagte entscheidende Rolle besteht darin, dass dieses Studio dem legendären Erfolgsproduzenten Frank Farian als eine Art frühes Klanglabor diente. Er selbst sagte später, Europasound sei damals das einzige Studio gewesen, in dem er seine Vorstellungen moderner Musik tatsächlich verwirklichen konnte. Hier entstanden die frühen Boney-M.-Produktionen; auch Eruption und andere Farian-Projekte wurden dort entwickelt. Bei späteren Boney-M.-Alben wurden auch mal mehrere Studios kombiniert. Der sogenannte „Munich Sound“ war demnach nicht das einzige Zentrum des deutschen Disco-Exports, denn im Rhein-Main-Gebiet brachte Farian parallel quasi im Alleingang eine zweite Hitmaschine ans Laufen.

Daher folgen jetzt zwingend die FAR Studios in Rosbach vor der Höhe, was – gemeinsam mit dem Namen – darauf schließen lässt, dass es sich hier um den ganzen Stolz von Frank Farian handeln muss: sein eigenes Megastudio, das Teil eines Anwesens war, das mehr eine Art Hybrid aus einem Bunker und einem Museum der Popgeschichte darstellte und unweit von Friedberg im Wetteraukreis nahe der Autobahn lag. Der Studiobetrieb begann im Jahre 1982 mit einer für die damalige Zeit ausgesprochen aufwendigen High-End-Digitaltechnik, die seinerzeit noch in den Kinderschuhen steckte und daher horrend teuer war, und wurde später stark zurückgefahren, vor allem nach Farians Tod im Jahre 2024. Hier produzierte der Meister alle seine Erfolgsprojekte ab den frühen 1980ern, beispielsweise die zweite Karrierephase von Boney M., Far Corporation, La Bouche, No Mercy und weitere Farian-Projekte. Auch für diverse Weltstars war dieses hochmoderne Studio eine beliebte Arbeitsstätte: Meat Loaf ließ Farian sein 1986er-Album „Blind Before I Stop“ nicht nur aufnehmen, sondern sogar produzieren. Stevie Wonder bastelte sich hier seinen 1984er Klassiker „I Just Called To Say I Love You“ zusammen.

Zur ganzen Wahrheit gehört allerdings auch, dass Farian in seinem monströsen Klangkomplex den – gleich nach der amerikanischen „Payola“-Bestechungsaffäre der 1950er und 1960er Jahre – größten Skandal in der Geschichte der Musikbranche produzierte: Seit im Sommer 1988 ihre Debütsingle „Girl You Know It’s True“ erschienen war und sofort zum weltweiten Megahit wurde, schwammen zwei ansehnliche junge Männer, die Farian unter dem Namen Milli Vanilli firmieren ließ, auf einer geradezu märchenhaften Erfolgswelle – im Februar 1990 gewann man sogar einen Grammy als „Best New Artist“. Es gab da nur ein kleines, schmutziges Geheimnis: Rob Pilatus und Fab Morvan waren zwar gutaussehende, charismatische Models und beeindruckende Tänzer, die eine tolle Show abliefern konnten, und genau diese Rolle hatte Frank Farian ihnen auch zugedacht – aber eben nur diese Rolle! Bei den Plattenaufnahmen ließ Farian sämtliche Gesangsparts von professionellen Studiosängern wie Brad Howell und John Davis einsingen; Charles Shaw steuerte unter anderem den Rap von „Girl You Know It’s True“ bei, hinzu kamen unter anderem die Background-Sängerinnen Jodie und Linda Rocco. Rob und Fab sangen also auf den Platten keinen einzigen Ton, und wenn sie auf der Bühne ihre mitreißende Choreografie ablieferten, bewegten sie lediglich ihre Lippen synchron zum gesungenen Text, während aus den Boxen ein Vollplayback mit den Stimmen der Profisänger ertönte. Nun war diese Masche bei Farian nicht neu, denn bereits bei Boney M. war der vermeintliche Frontmann Bobby Farrell auch nur ein Tänzer, der seinen Gesangspart lediglich mimte, während man tatsächlich die Stimme von Frank Farian hörte, der zudem bei den Studioproduktionen auch fast alle Falsett- und Hintergrundchorstimmen eingesungen hatte. Allerdings war das damals bereits weitgehend öffentlich bekannt, und immerhin stand Liz Mitchell, die Hauptsängerin fast aller Hits, mit auf der Bühne. Farian hatte zuvor schon seine Probleme mit Farrell, weil dieser angesichts des großen Erfolgs mit seiner doch recht kleinen Rolle nicht zurechtkam, und dasselbe passierte ihm dann erneut mit Pilatus und Morvan, jedoch auf einem deutlich höheren Stresslevel, dem sie aufgrund ihrer Situation vor allem selbst ausgesetzt waren. Als normaler Mensch kann man sich wahrscheinlich noch nicht mal ansatzweise vorstellen, wie sehr sie zwischen zwei Extremen zerrieben wurden: einerseits der blitzschnelle weltweite Ruhm, die Bewunderung und Vergötterung seitens der Fans und das Hofiertwerden durch andere Stars und Repräsentanten der Musikbranche, andererseits das Wissen, dass sie zu den Musikaufnahmen, für die man sie vergötterte, keinen eigenen gesanglichen Beitrag geleistet hatten, weshalb ihr ganzer Ruhm letztendlich nur auf einem einzigen großen Betrug basierte, an dem sie permanent aktiv mitwirken mussten, indem sie ihren Fans und der ganzen Welt etwas vorflunkerten, was nicht der Wahrheit entsprach. Wie soll ein junger, unerfahrener, unreifer Mensch damit klarkommen? Ich kann mir nur allzu gut vorstellen, dass sie dieser Situation nicht gewachsen waren und deshalb zunehmend zu irrationalem Verhalten tendierten. Vielleicht drängte ihr Gewissen sie dazu, die Lüge wenigstens ein Stück weit zu heilen und künftig tatsächlich selbst zu singen; vielleicht befeuerte aber auch der unfassbare Ruhm eine Tendenz zur Selbstüberschätzung, sowohl ihrer musikalischen Fähigkeiten als auch ihrer Verhandlungsposition – jedenfalls forderten sie nunmehr von Farian, fortan selbst singen zu dürfen. Daraufhin machte Farian kurzen Prozess und ließ am 14. November 1990 auf einer eigens einberufenen Pressekonferenz mit dem öffentlichen Geständnis, dass bei Milli Vanilli alles Lug und Trug sei und die beiden Vortänzer bei keinem einzigen Song zu hören seien, eine mediale Atombombe platzen. Das Thema beherrschte wochenlang die Schlagzeilen, der Grammy wurde aberkannt, die Alben wurden stellenweise aus dem Verkauf genommen, und es gab sogar Sammelklagen enttäuschter, betrogener Fans. Mit seiner Entscheidung, sich dem Druck der beiden nicht zu beugen, besiegelte Farian das Ende einer Gelddruckmaschine. Farian überstand den Skandal wirtschaftlich und beruflich weitgehend unbeschadet. Für die beiden Jungs hingegen lief es weniger glimpflich, insbesondere für Rob Pilatus, der auf die schiefe Bahn geriet und 1998 mit nur 33 Jahren an den Folgen einer Überdosis starb. Allerdings gibt es auch ein Happy End: Fab Morvan hat es geschafft, die Erlebnisse zu verarbeiten und sich ein neues Leben aufzubauen. Heute lebt er mit seiner Lebensgefährtin und vier Kindern auf Mallorca und in den Niederlanden und war Anfang dieses Jahres aufgrund seiner selbst eingesprochenen Memoiren tatsächlich für einen Grammy nominiert, nämlich in der Kategorie „Beste Tonaufnahme im Bereich Hörbuch, Erzählung und Storytelling“. Nur gewonnen hat er leider nicht, den Grammy hat nämlich der Dalai Lama abgeräumt – aber gegen den heiligen Mann nicht anstinken zu können, ist keine wirklich schmerzliche Niederlage.

Nach so viel Frank Farian darf auch sein größter Rivale unter den international erfolgreichen Hitproduzenten nicht fehlen, daher noch ein kurzer Abschnitt über das Star Studio beziehungsweise Studio 33 in Hamburg. Eröffnet im März 1984 zunächst als Star Studio, wurde es 1988 von Produzent Luis Rodriguez übernommen und unter dem neuen Namen Studio 33 weitergeführt. Der Hamburger Standort bestand bis Anfang der 2000er; das Studio 33 wurde anschließend auf Mallorca fortgeführt. Noch in der frühen Star-Studio-Phase, lange vor der Übernahme, entwickelte Rodriguez dort gemeinsam mit Dieter Bohlen den charakteristischen Modern-Talking-Sound: „You’re My Heart, You’re My Soul“ entstand 1984, anschließend folgten zahlreiche weitere Modern-Talking-Produktionen wie „Brother Louie“ und „Atlantis Is Calling“. Später diente das Studio als Produktionsstätte für Teams von Fun Factory, Nana, Papa Bear sowie für Projekte mit den Backstreet Boys und *NSYNC.

Last but not least haben wir noch das Château du Pape beziehungsweise H.O.M.E. Studios in Hamburg. Ab Dezember 1986 ist die Firma Château du Pape Tonstudio und Tontechnik Norbert Pape handelsregisterlich dokumentiert. 1998 wurde das Studio von Franz Plasa übernommen, vollständig umgebaut und in H.O.M.E. Studios umbenannt. Es handelt sich um einen großen Hamburger Studiokomplex mit speziell gestalteten Aufnahmeräumen und der Kombination aus klassischer Aufnahme und moderner Produktion. Depeche Mode haben 1992/93 Teile ihres Albums „Songs Of Faith And Devotion“ dort aufgenommen, und Rammsteins 1995 erschienenes Erstlingswerk „Herzeleid“ wurde dort von Ronald Prent gemischt. Nach der Umfirmierung und Neukonzeptionierung bereicherten dann so illustre Namen wie Mariah Carey, Lauryn Hill und 50 Cent die Liste der Kundschaft.

Damit habe ich die Zehn voll, das muss reichen, zumal damit auch die unter dem Aspekt „internationale Einflüsse“ relevantesten deutschen Studios abgehandelt sind.

Was auffällt: Mehrere dieser einst so gefragten Studios existieren längst nicht mehr; andere leben nur noch unter neuem oder abgewandeltem Namen, an einem anderen Ort oder mit einem deutlich veränderten Konzept oder Geschäftsmodell weiter. Streng genommen hat lediglich der Studiokomplex von Dieter Dierks in Stommeln als einziger Dinosaurier weitgehend im Originalzustand und sogar unter gleicher Leitung überlebt. Darüber hinaus vielleicht noch mit den am wenigsten einschneidenden Veränderungen die Hansa Studios, die immerhin nach wie vor ein Teil der Meisel-Group sind und damit zu dem Familienunternehmen gehören, dem die beiden Studio-Gründer, die Brüder Peter und Thomas, entstammen und das dieses Jahr mit dem Meisel Musikverlag seinen hundertsten Geburtstag feiert. Die atmosphärische Veränderung, dass dem Gebäude mit dem weltberühmten Meistersaal, also known as „Hansa by the Wall“, zusammen mit der „Wall“ auch ein gutes Stück inspirierender Grusel-Aura abhandengekommen ist, kann man der Geschäftsleitung kaum vorhalten.

Was sich hier vielmehr zeigt, ist ein Phänomen, das in der Musikbranche schon seit Jahren zu beobachten ist, zunächst schleichend, dann mit immer mehr Fahrt: das große Studiosterben. Wenn man früher hochwertige, professionelle Musikaufnahmen produzieren wollte, musste man dafür zwingend ein Tonstudio mieten, denn nur dort gab es die zu diesem Zweck notwendige technische Ausstattung. Diese war extrem teuer in der Anschaffung: Wenn es qualitativ hochwertig sein sollte, schlug die Einrichtung eines professionellen Studios schnell mal siebenstellig zu Buche, nur für die Grundausstattung. Mit dem Voranschreiten der digitalen Revolution ist das technische Monopol der Profistudios gefallen: Heute reichen ein leistungsstarker Laptop, eine Digital Audio Workstation (DAW), also ein Programm wie „Logic Pro“, ein gutes Interface und ein hochwertiges Mikrofon sowie vielleicht ein bisschen Akustikdämmung, wenn’s zu Hause zu gruselig klingt – das ist eine überschaubare Anschaffung, und schon hat man einen großen Teil dessen, wofür man früher ein Studio für mindestens 100 Euro die Stunde mieten musste, dessen Einrichtung ein paar Millionen gekostet hat. Wenn man nicht gerade mit den Wiener Symphonikern eine Neueinspielung von Beethovens Neunter anstrebt, sondern bloß Gesang oder einfache Musikinstrumente aufnehmen will, reicht das vollends. Piano und Schlagzeug sind etwas problematischer, dazu braucht man einen umfangreichen Satz spezieller Mikrofone, den man sich aber auch für ein paar Euro ausleihen kann. In einem großen, stetig wachsenden Teil der aktuellen Produktionen für den Popmarkt werden immer mehr echte Naturinstrumente, allen voran Drumsets und Pianos, durch Samples und virtuelle Instrumente ersetzt. So wird heute der Großteil der Musik produziert – daher werden große Profistudios nur noch gebraucht, wenn ein ganzes Ensemble live zusammenspielt, zum Beispiel ein großer Chor, ein Orchester oder eben eine klassische Rockband, die darauf besteht, auf die altmodische Tour aufzunehmen. Oder wenn jemand Geld zu viel hat, denn wochenlange Aufnahmesessions in Luxusstudios, die früher Standard waren, können sich heute nur noch wenige Künstler leisten, weil die Budgets der meisten Produktionen deutlich knapper geworden sind und sich die Erlösmodelle durch Streaming fundamental verschoben haben: Seitdem immer weniger Tonträger gekauft werden, weil Musik immer häufiger gestreamt wird, verdienen nur noch die ganz großen internationalen Megastars mit Abrufzahlen im zwei- bis dreistelligen Millionenbereich nennenswerte Summen. Für Künstler hingegen, deren Zielgruppe sich auf ein Land beschränkt und die dort nicht zu den absoluten Top-Acts gehören, sind durch Streaming nur Kleckerbeträge zu erzielen, weil man beispielsweise auf Spotify zwischen 300 und 400 Streams benötigt, um einen einzigen lumpigen Euro zu verdienen. Solche Acts müssen schon live spielen, um mit ihrer Musik überhaupt Einnahmen generieren zu können. Geld für teure Aufnahmesessions in großen Profistudios bleibt da keins mehr. Wenn man dann noch bedenkt, welche Unterhaltskosten ein großes Studio mit sich bringt, angefangen bei der Miete über die Nebenkosten bis hin zu den horrenden Stromkosten, da ein Tonstudio im Betrieb so viel Strom zieht, dass man dafür eigentlich ein eigenes kleines Atomkraftwerk im Hinterhof bräuchte, dürfte das rasante Studiosterben im Wesentlichen erklärt sein.

Doch nun kommt noch ein weiterer Sargnagel für die gesamte Musikindustrie, wie wir sie bisher kannten, hinzu: Künstliche Intelligenz verändert alles! KI-Tools übernehmen mittlerweile automatisierte Mixing- und Masteringprozesse in Sekundenschnelle. Zudem verdrängt KI-generierte Musik zunehmend menschliche Dienstleister im Bereich der funktionalen Musik (zum Beispiel Werbe-Jingles, Hintergrundmusik für Games oder Social Media), was Studios wichtige Standardaufträge entzieht.

Unter diesen Umständen ist es fast schon ein Wunder, dass Dierks und Hansa überhaupt noch existieren – mögen uns diese letzten verbliebenen geschichtsträchtigen heiligen Hallen noch lange erhalten bleiben.

Information

Diesen Artikel finden Sie gedruckt zusammen mit vielen exklusiv nur dort publizierten Beiträgen in der am 21. Oktober erscheinenden Nov./Dez.-Ausgabe eigentümlich frei Nr. 264.

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